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Coronavirus. Flashmob come un graffito

Negli anni 70 nasceva nei sobborghi di New York la forma d’arte del Graffitismo, che tutt’oggi viene ancora messa in discussione. L’affluenza dell’emigrazione all’interno delle periferie newyorkesi era tale che il governo risultò incapace di gestirla. La mancanza di un’istituzione che tutelasse questa parte di popolazione non fece altro che alimentare uno stato di disorientamento che ben presto si trasformò in violenza e criminalità.

L’assenza di un modello che avrebbe dovuto garantire ordine e sicurezza fece sfociare in alcuni individui la necessità di doversi autoaffermare nella propria esistenza. Partendo da questo stato di disagio e degrado si svilupparono per contrasto diverse forme di creatività. Questa è la premessa da cui nascerà il graffitismo e il writing. La creatività fa parte dell’essere umano, ed esprime anche esigenze sociali. In questo caso si tratta di un fenomeno di massa giovanile. Sia nelle piccole società che in quelle “evolute” e grandi, i giovani hanno avuto, e tuttora, necessità di inserirsi, di avere un ruolo, di riconoscersi in un’identità.

Nelle società odierne il processo di inserimento è molto più difficile, e l’emarginazione (ovvero la conseguenza del fallimento di questo processo) è triste e dilagante, ed è quanto mai una piaga da combattere, responsabile dell’infelicità che segna l’esistenza dell’ultimo scorcio di secolo. La positività dell’essere umano comunque emerge attraverso la creatività. E dunque anche senza essere edotti nell’arte e nel disegno, molti giovani sono andati a caccia della propria identità, cercando di imporre la propria icona visiva nella città.

Il bisogno dell’individuo di autoaffermarsi all’interno della società e di  manifestare a tutti la propria esistenza nasce specialmente in situazioni storiche di disagio, in cui l’identità delle persone tende a perdersi e a disorientarsi.

Il virus Covid-19 ha messo a dura prova proprio questo senso di identità e appartenenza a dei luoghi a noi cari o spazi che siamo abituati a vivere quotidianamente. Ci ha disorientati. Ci ha costretto a crearci delle nuove abitudini. La socialità, anche il banale dover uscire fuori di casa per andare a lavoro o a scuola, ci è stata totalmente negata. Per cause di forze maggiori e per uno stato di emergenza nazionale il nostro dovere per il bene di tutti è quello semplicemente di dover rimanere chiusi nelle nostre abitazioni. Annullando ogni tipologia di relazione affettiva reale con l’esterno ci ha fatto crescere una forte necessità nel condividere una situazione di sconforto che è comune a tutti. Ogni persona in questo momento, nessuna esclusa, si sta ritrovando ad affrontare la medesima condizione. La solitudine e il dover rimanere a casa ha fatto crescere nelle persone il bisogno di dover autoaffermarsi nella propria individualità, il bisogno di uscire fuori dai balconi per gridare metaforicamente ad alta voce “Io esisto”.

Analogamente al fenomeno del Writing in cui in giro per la città si leggono delle “tag” incomprensibili di pseudonimi di persone che paradossalmente hanno scelto di agire nell’anonimato per affermare la propria esistenza, così anche è stato con i vari flashmob che si sono verificati alle ore 18 durante la prima settimana di quarantena.

La gente si affacciava dalle proprie finestre per cantare, suonare, sbattere pentole e attrezzi vari, per fare rumore e per dire che “loro c’erano” e che nel loro piccolo stavano partecipando a quel dolce trambusto. Per quattro giorni alle ore 18 iniziava questo emozionante concerto, in cui le voci e i suoni si confondevano per le vie desolate della città. Ognuno partecipava a suo modo e i vari rumori diventavano un tutt’uno con l’ambiente; difficile era distinguere chi cantava, chi fischiava e chi sbatteva le padelle. Chiunque poteva essere chiunque, ma chiunque era essenziale nella resa di questo grande concerto “street” fatto dalla propria casa. Il secondo giorno udii addirittura una signora con una voce da tenore che ha dilettato tutto il vicinato cantando il repertorio della musica italiana anni 80. Tale voce melodiosa è rimasta nell’anonimato, tale voce è rimasta tale, senza un volto, ma comunque è stata di un’immensa potenza che ha lasciato lo stesso un segno.

L’essere umano ancora una volta ha dimostrato come in una situazione di tristezza e di allerta generale, si possa tirare fuori il meglio attraverso la creatività. Più che un flashmob si potrebbe definire una via di mezzo tra un happening e una performance sociale che ha catturato l’attenzione e la partecipazione a livello nazionale. Il pubblico era al contempo sia spettatore che protagonista di quest’opera. Anche chi solo è uscito fuori per mera curiosità a vedere cosa stesse succedendo si può ritenere un utente partecipante a questo fenomeno. Bene o male tutti eravamo lì alla medesima ora, vicini ma lontani. Ognuno nella sua piccola sfera casalinga è stato testimone di una condivisione gioiosa di un dolore diffuso.

Come quando prendo la metro e mi sorge sempre quella curiosità incontrollabile che mi fa chiedere “Chi c’è dietro questi graffiti e queste tag? Chi sono queste persone che sfidano la soglia della legalità per realizzare una semplice scritta solo per il piacere di autoaffermarsi pubblicamente agli occhi di tutti? Che storie hanno alle spalle questi writer? Ma soprattutto che volto hanno?”. Domande analoghe mi sono sorte durante i flashmob: “Chissà se è la signora del nono piano ad usare il fischietto? Dietro al tenore si nasconde una bella donna? Chi sta cantando l’Inno d’Italia è giovane o vecchio?”. Sotto questo velo di mistero mi sento di potermi ritenere fortunata perché sono riuscita a trovare, in modo del tutto casuale, la chiave per risolvere i miei dubbi.

Per cause di forza maggiore lo scendere in piazza per incontrarsi con gli amici ci è stato negato, motivo per cui le agorà virtuali in questo momento storico si sono rivelate un potente mezzo di comunicazione e relazione. È stato proprio al termine di questi quattro giorni di enfasi in cui la mia coinquilina tutta esaltata mi ha urlato che eravamo state fotografate.

Angela Visconti, studentessa del corso di Fotografia e video presso l’Accademia di Belle Arti di Roma, un giorno ha deciso di sfidare le regole per dare sfogo alla sua arte. Attraverso i suoi scatti è riuscita a documentare un fatto storico unico ed irripetibile. Grazie al suo coraggio è riuscita ad entrare con il suo obbiettivo attraverso le nostre case, catturando quell’attimo di allegria che ci ha accomunato durante quei giorni. Angela è riuscita attraverso l’arte a testimoniare come in una situazione così difficile la gioia di vivere non è comunque mancata. Ha dimostrato come ognuno di noi ha cercato di creare una rete di felicità grazie alla liberazione della voce e dei suoni.

Le foto di Angela Visconti hanno dato un volto all’anonimato, hanno conferito a tutto il vicinato della zona Prati di Roma quella necessità di manifestarsi in quanto individuo vivente.

Rivedere me e la mia migliore amica sul nostro balcone intente ad appendere la bandiera dell’Italia è stata un’emozione fortissima. In quel momento ho realizzato di essere stata un tassello importante per realizzare questo flashmob. Ognuno di noi è stato essenziale per rendere vero questo fenomeno, ognuno di noi è stato necessario per creare questa voce comune che urla “Insieme ce la faremo e solo attraverso le risate riusciremo a superare tutto”.

Credits

La foto iniziale è fa parte del progetto fotografico Subway Art by Martha Cooper and Henry Chalfant ed è stata tratta da questo link.

Tutte le altre foto sono di Angela Visconti.

per riferimenti bibliografici sul graffitismo si rimanda al testo di Ada Lombardi “Arte Contemporanea, Oriente/Occidente – dal 1945 ad oggi”

 

Michel Foucault e lo spazio della città moderna per il controllo delle epidemie

28 Marzo 2020

Rilanciamo una riflessione di Antonio Scarponi originariamente pubblicata sul suo profilo Facebook il 25/03/2020.

Michel Foucault (1926-1984) sosteneva che lo spazio della città moderna sia stato modellato come strategia di contenimento di due malattie: la peste e la lebbra. Alla peste corrisponde la strategia del controllo, casa per casa, porta per porta, famiglia per famiglia, individuo per individuo; alla lebbra invece la strategia dell’isolamento, del nascondere e separare dal resto. Controllare e isolare dunque.

 Va da sé che questi giorni mi fanno pensare al pensiero di Foucault con una certa ironia. Ironia perché immaginare di imporre una forma di “arresto domiciliare” a tutta la popolazione di un paese ha del tragicomico, anche perché effettivamente sembra che sia l’unica vera strategia efficace al contenimento di questa sciagura. O perlomeno io non avrei una idea migliore.

Ma tutto sommato il pensiero di Foucault non mi basta più per capire, interpretare, leggere la complessità di quello che sta succedendo oggi, come ieri. I motivi sono due. Il primo è che l’idea che lo spazio della città sia riconducibile a due malattie, mah, è una bella teoria, e va benissimo, ma rimane una teoria che non ha le pretese di essere vera, anche perché se lo fosse finirebbe di essere una teoria. Una teoria deve essere bella. Quella di Foucault è bellissima ed è questo il mio problema.

 

Una bella teoria come questa racconta un potere univoco, razionale, efficace ed efficiente che governa, controlla, isola e agisce senza anima e senza scrupolo come una macchina burocratica auto-pensante e auto-eseguente. In verità, e la realtà di questi giorni in tutti i paesi europei e non, mostra chiaramente un “potere” pasticcione, goffo, lento, irrazionale, contraddittorio, povero di mezzi ed incapace di usare in modo efficace le tecnologie a disposizione. Mostra, in poche parole un potere umano, virtuoso per certi aspetti, temerario per certi altri, ma anche viziato, vile, corrotto per certi altri ancora.

La mia è una riflessione sull’estetica delle teorie, ma vi prego non prendetemi troppo sul serio. Quella di Foucault, a mio avviso, disumanizza il potere da un lato e dall’altro non riconosce la forza, la resilienza e la capacità degli individui a riorganizzarsi, a combattere. E’ un estetica che ci disappropria delle istituzioni, che invece siamo noi, tutti, ed esse riflettono i nostri vizi e le nostre virtù. Insomma tutto questo per dire semplicemente che nei momenti duri come questi ognuno deve fare la sua parte meglio che può.

Se fossi capace mi piacerebbe elaborare una estetica della filosofia dove i cittadini hanno fiducia nelle istituzioni e le istituzioni nei cittadini e ancora dove i cittadini si pensano come se fossero delle istituzioni: immaginare che ogni singolo individuo possa esprimersi ed agire con autorità, ma non in modo autoritario, naturalmente.

 

Credits

Per illustrare questa nota, originariamente senza immagini, abbiamo scelto insieme con l’autore di prenderne alcune in prestito:

– la maschera del medico della peste è stata presa da questo articolo;

– l’immagine dei lavori in notturna è la seguente: Jules Galdrau, 1816-1898, from L’illustration 30. Septembre 1854 – This image is available from the Brown University Library under the digital ID 1223580988859375.

– L’immagine di Woody Allen e Lynn Redgrave si riferisce al film “Tutto quello che avreste voluto sapere sul sesso (ma non avete mai osato chiedere) – Gli afrodisiaci funzionano?” ed è tratta da qui

– l’Affresco realizzato nel Trecento da Memmo di Filippuccio a San Giminiano (una donna frusta il marito sotto lo sguardo di un’altra coppia di sposi) è tratto da qui.

Coppelia: la Cattedrale del gelato

12 Marzo 2020

L’Avana. Nel quartiere borghese del Vedado, caratterizzato da un lato da alberghi, ristoranti, cinema, negozi e ministeri, dall’altra da piccole case con portici coloniali e giardini lussureggianti, passeggiando dal Malecón (lungomare) verso la Calle 23, che i cubani chiamano “La Rampa”, all’intersezione con la Calle L, ci si imbatte in un parco al centro del quale si erge Coppelia: la cattedrale del gelato.

Come spesso accade nella storia, anche quest’edificio nasce dal capriccio di un leader politico: Fidel Castro. Sembrerebbe infatti che il rivoluzionario, oltre a essere appassionato di sigari e di baseball, fosse anche goloso di frappè e di gelato: questa sua fissazione gastronomica avrebbe non solo plasmato la storia economica e culturale dell’isola ma sarebbe stata anche motivo di sperimentazione architettonica e medica oltre che espediente per il suo fallito avvelenamento.

Procediamo con ordine: nel 1959, dopo aver sconfitto il dittatore Batista, Fidel e i suoi fecero dell’Hotel Habana Libre (che si trova proprio davanti a Coppelia) il loro quartier generale. A partire dagli anni ’60 del Novecento i rapporti con gli Stati Uniti si inasprirono tanto da arrivare nel 1962 all’adozione di un embargo completo. Fidel, che non poteva rinunciare alla sua passione, convinse l’ambasciatore canadese a spedirgli ventotto container di gelato Howard Johnson, di cui era ghiotto. Nel 1963, la CIA, sfruttando questa debolezza del rivoluzionario tentò di avvelenarlo proprio all’Hotel Havana Libre, ove Fidel era solito consumare frappè: pare però che la pillola di veleno, che doveva essere “fatta scivolare” nella bevanda, rimase incastrata nel frigo e spezzandosi riversò a terra il veleno.

Ignaro di tutto questo, Castro decise di trovare una soluzione all’importazione di latte, burro, formaggio (e ovviamente gelato) dagli Stati Uniti, rendendo Cuba indipendente nella produzione di prodotti caseari. In un paese in cui i bovini erano solo “Zebù”, specie inadatta alla produzione di latte, Castro decise di chiedere finanziamenti all’Unione Sovietica per importare dal Canada le cosiddette vacche frisone e dalla Svezia e Paesi Bassi i macchinari per produrre il gelato. Nel 1972 nacque perciò un programma sperimentale e d’ibridazione volto a creare una nuova specie di bovino denominato “Ubre Blanca” che non solo avrebbe prodotto latte in grande quantità ma sarebbe diventata l’eroina di Castro, tanto che alla sua morte, venne impagliata ed esposta in una teca di vetro in una casa fuori l’Avana.

Con in testa lo slogan “Helado por el pueblo”, Castro mise all’opera, oltre agli scienziati, anche compañeros e architetti per creare un luogo dove i suoi connazionali potessero gustare il gelato. Fidel decise di affidare il progetto di Coppelia, la “Cattedrale del gelato”, all’architetto Mario Girona Fernández (Manzanillo 13 Gennaio 1924 – L’Avana 26 Agosto 2008) sotto la supervisione della sua fidata consigliera Celia Sánchez, alla quale venne dedicato il nome e il logo della gelateria che rimandano, il primo, al balletto preferito della donna, il secondo, appunto, alle gambe di una ballerina.

L’edificio, costruito nel 1966, sorge nell’area dove fino al 1954 si trovava il Reìna Mercedes Hospital; a seguito dell’abbattimento della struttura si susseguirono diversi progetti che prevedevano dapprima la costruzione di un altro ospedale, poi un grattacielo di cinquanta piani, un padiglione turistico, infine un centro di intrattenimento notturno. Tutti i progetti furono abbandonati per lasciare il posto a Coppelia.

A primo impatto, ammirando la “Cattedrale del gelato” sembra di vedere un’architettura di Nervi: una grande calotta in cemento armato posta a copertura di sale circolari vetrate, che si dirama verso l’esterno attraverso pilastri a Y rigirati collegati tra loro da tendoni blu e bianchi. Se l’architettura di Nervi, però, assomiglia a “un’enorme medusa per effetto del guscio ondulato e dei cavalletti a Y che sembrano tentacoli” (B. Zevi) [1], Coppelia sembra più un ufo atterrato nella città e circondato da alberi Banyan.

Passeggiando intorno alla struttura circolare, nel parco, si incontrano banchi del gelato e tavolini all’aperto dove poter consumare le cosiddette Ensaladas (coppette di plastica ove possono essere disposte fino cinque palline di gelato); salendo invece dalla scala elicoidale centrale della “cattedrale” fino a raggiungere la copertura, ci si addentra in altre sale circolari divise l’una con l’altra da pannelli lignei e vetri colorati.

Se negli anni Ottanta del Novecento Coppelia divenne il punto di ritrovo degli habaneros e i gusti proposti arrivarono a essere circa una cinquantina, all’inizio degli anni Novanta, a causa della riunificazione della Germania e della perdita dei finanziamenti da parte dell’Unione Sovietica, la “cattedrale del gelato” andò in declino, finendo per restringere i gusti o addirittura “allungare” il gelato con l’acqua.

Il successo di Coppelia negli anni Sessanta, portò tuttavia alla costruzione di altre “filiali”: all’architetto Mario Girona Fernández venne affidato anche il progetto per il Varadero, località di mare a due ore circa da L’Avana; all’architetto José Cortiñas quello per Santa Clara. Il primo edificio fu concepito come un luogo di ritrovo per i bagnanti: circolare e interrato, si snoda attorno a  un giardino. La seconda costruzione, di stampo brutalista, inaugurata nel 1967, occupa un intero isolato ove anticamente sorgeva un mercato agricolo: è costituita da un piano pilotis sormontato da una massiccia copertura in cemento armato dal quale fuoriescono “schegge”.

Attualmente Coppelia è un luogo frequentato sia da cubani che da turisti: i primi, “che ancora vivono di beni razionati, possono godere della rara esperienza di poter ordinare quanto vogliono di qualcosa” (Anderson), i secondi, più che dal gelato e dalle lunghe attese che si fanno per acquistarlo, sono attratti dalle “vibrazioni positive” che il luogo e la gente che lo frequenta trasmettono.

 

Foto 1: Castro mangia gelato allo zoo del Bronx di N.Y., 1959. Foto: Meyer Liebowitz/Getty images

Foto 2: Ubre blanca impagliata nella teca di vetro. Foto: str/afp/Getty images

Foto 3,4,5,6: Giulia Gandin

Foto 7,8: https://www.wikiwand.com/es/Coppelia_(empresa)

Fonti:

[1] Cronache di Architettura, Bari , Laterza, 1970

https://www.vice.com/it/article/mbkje8/mangiare-gelato-a-cuba

https://www.wikiwand.com/es/Coppelia_(empresa)

Helados revolucionarios: Coppelia y la arquitectura líquida de La Habana

Verso un corpo gassoso

L’idea della città e dell’architettura, come le abbiamo sempre pensate – nella loro concezione spaziale di luogo determinato, pianificato e programmato – sembrano non rispondere più alle strutture sociali verso cui la società si sta oggi evolvendo.

Le risposte della postmodernità ai problemi urbani formulati dalla modernità, non si sono esaurite né nei vari modelli teorici, né nelle realizzazioni concrete che queste hanno ispirato, sviluppando sempre nuove formule e proposte. La condizione urbana e sociale sia industriale che post-industriale è rimasta critica. Pur trovando nelle varie proposte delle alternative teoriche interessanti, difatti le produzioni che si sono sviluppate in architettura dal dopoguerra, ad oggi sono riconducibili ad una lenta e diffusa ristrutturazione della città moderna, che potremmo leggere come il progetto di una continua operazione di aggiornamento di una moderna “Renovatio Uribis”[1].  In tal senso, come ci fa notare Edward Docx, potremmo leggere il postmoderno come “il tardivo sbocciare del seme più vecchio della modernità[2], già presente negli anni Venti e Trenta, nei lavori dei dadaisti e di altre correnti.

Dalla fine degli anni ‘90 ad oggi vari studiosi, come Carlo Bordoni, Umberto Eco, Maurizio Ferraris, Yves Michaud[3], Manuel Gausa, Daniele Vazquez e tanti altri, hanno introdotto nuove prospettive filosofiche, sociali, antropologiche, estetiche ed urbane che ci mostrano le debolezze della postmodernità, proponendo nuove prospettive che abbandonano il postmoderno.

Si può essere concordi o no con queste posizioni, ma in ogni caso queste mettono in evidenza la presa d’atto del fallimento delle promesse postmoderne, decretando se non la fine quantomeno la crisi del postmoderno, mettendo in evidenza una sua evoluzione e trasformazione verso una nuova condizione ancora da definire. Quel che sembra certo è che alla fine della modernità, oggi si è affiancata anche la crisi del postmoderno.

Se scegliamo quindi di usare la felice metafora di Zygmunt Bauman che lega la modernità, e ciò che la precede, ad una condizione solida, e la postmodernità ad una condizione liquida di un mondo liquefatto[4], sempre alla ricerca di una nuova condizione di stasi, potremmo dire che la crisi-evoluzione del postmoderno segna un ulteriore passaggio di stato, da quello liquido a quello gassoso.

La tendenza che oggi prevale è quella della smaterializzare di ogni possibile legame, tra gli individui, tra i luoghi o il territorio, esaltandone la volatilità e la continua trasformazione delle relazioni. Oggi il luogo è ovunque, liberato dal limite definito del territorio geografico, è sempre mobile, aperto, pronto alla condivisione. Da una società del luogo siamo passati alla network society[5].

Nell’era contemporanea l’individuo, pur rimanendo parte di una comunità, è diventato perennemente erratico, un nomade tecnologico dissociato da un luogo fisico determinato. In questa realtà si rispecchia quel sentimento nel quale l’uomo contemporaneo si pone nell’inguaribile utopica volontà di essere dappertutto e perciò in nessun luogo, galleggiando tra il tempo e l’eternità.  Sotto questa ottica si sovrappone all’uomo del “luogo”, la figura del “vagabondo”, che fa del vagare una esperienza necessaria.

Da creatori di forme-oggetto stiamo quindi passando sempre più a produttori di esperienze[6], risultato di un continuo processo in atto che non si instaura nel territorio, ma che lo attraversa senza volerne lasciare traccia. Le nostre “solide” certezze che erano il fondamento della realtà come l’abbiamo sempre conosciuta, sono state sostitute in tal modo da dispositivi e procedure. La materia, resa ormai gassosa, non necessita più di stampi in cui versarla, come all’epoca dello stato liquido, ma essendo ormai gassosa, si insinua in qualsiasi struttura di pensiero, invadendo ogni possibile frattura ed interstizio. I limiti che la vorrebbero racchiudere, risultano essere sempre fragili e pronti ad rompersi, nulla può trattenerla. Ogni condizione riconducibile ad una forma stabile è finzione, è una triste costrizione pronta ad esplodere come un palloncino pieno di gas.

La stessa materia urbana e sociale che compone questa nostra realtà si è frammentata e scomposta in particelle ed atomi di densità programmatiche poste in rete tra loro. Essere in rete non significa però parlare o comunicare, ma piuttosto essere inseriti in una catena di stimoli e reazioni di attrazione e repulsione che strutturano un continuo processo dialettico. Il loro rapporto con lo spazio e col tempo non è più solido e stanziale, ma sempre volatile, temporaneo, “gassoso”.

Bisogna partire quindi da un preciso postulato: la misura concreta della città contemporanea non può più essere la sua forma. Questa infatti non solo, non è più in grado di decifrare i sistemi urbani contemporanei, ma è diventata uno strumento descrittivo delle reti infrastrutturali[7], divenendo questa l’unica forma riconoscibile per un possibile orientamento all’interno dello spazio urbano. La dialettica tra le sue singolarità e le molteplicità situazioniste, trasporta l’idea stessa della città verso la natura di una forma-intelligibile, non più riconoscibile in un’unica forma-oggetto, ma semplicemente attraverso un logos di connessione, che assume così carattere fondativo e propulsore dello stesso fenomeno urbano.

Oggi quindi, qualsiasi tentativo di rappresentare il territorio urbano come forma pensabile nella sua interezza e nei termini precisi di un progetto di città chiaramente fondato, è un processo superato. È indubbio, che per la complessità e le contraddizioni dell’attuale sviluppo urbano, non siamo più in grado di costruire un modello di città che abbia un carattere continuo e identitario. È proprio della città contemporanea la disintegrazione del principio stesso di identità, in un universo di singolarità molecolari che vogliono essere temporanee. È la relazione tra le sue molecole a costruire un corpo materico in continua mutazione, instabile, mobile, rarefatto. Queste, perfettamente visibili, sono come granuli che vibrano, frammenti di un corpo dissolto, gassoso, in cui  in ogni molecola ritroviamo la formula dialettica del frammento urbano[8].

Infondo è nella tautologia stessa del frammento, in quel suo essere “parte” che si necessita il bisogno di appartenenza, da un lato ad un corpo, e dall’altro a quel suo essere soggetto universale e anonimo indipendente.

È il corpo della città contemporanea: un corpo che rende effettivo questo concetto di pluralità. Uno spazio gassoso, del verosimile critico[9] e delle pratiche urbane, uno spazio dove vagare e ricordare, uno spazio libero, uno spazio della memoria affettiva, uno spazio non più simbolico, ma esistenziale.

 

Parte dell’articolo è già stato pubblicato anche nel n° 35 della rivista AND a pag. 63,65.

 

[1] Cfr. Bernardo Secchi, Prima lezione di urbanistica, ed. Laterza, Bari 2000, capitolo 2 e 5.

[2] Edward Docx, Addio postmoderno, benvenuti nell’era dell’autenticità, “la Repubblica”, 3 settembre 2011, temi.repubblica.it/micromega-online/addio-postmoderno-benvenuti-nellera-dellautenticita/

[3]La modernità è finita due o tre decenni fa. Postmodernismo era solo un nome conveniente per rendere accettabile il cambiamento e la fine della modernità, come se la morte non fosse la morte e la vita continuata nell’immediato futuro. E’ ora di riconoscere che viviamo in un mondo nuovo”. Yves Michaud, L’Art à l’état gazeux : essai sur le triomphe de l’esthétique, Èditions Stock, 2003, (trad. italiana, Yves Michaud, L’arte allo stato gassoso, ed. Ita. Idea, 2007), pag. 16.

[4] Cfr. Zygmunt Bauman, Liquid Modernity, Polity Press, 2000, (trad. italiana, Zygmunt Bauman, Modernità liquida, ed. Laterza, 2002),

[5] Cfr. Manuel Castells, The Rise of the Network Society, The Information Age: Economy, Society and Culture, Vol. I. Cambridge, MA; Oxford, UK. Blackwell, 1996, (trad. Ita. Manuel Castells, La nascita della società in rete, Università Bocconi Editore, 2014)

[6] Cfr. Yves Michaud, op. cit.

[7] Basti pensare alle mappe delle metropolitane e dei trasporti di superficie.

[8] Cfr. Emmanuele Lo Giudice, Architettura Gassosa, per un nuovo realismo critico, prima ed. 2018.

[9] “Il verosimile non corrisponde a fatalmente a quanto è stato […] né a quanto deve essere […], ma semplicemente a quanto il pubblico crede possibile e che può essere del tutto differente dalla realtà storica o dalla possibilità scientifica”. (Roland Barthes, Critica e Verità, [1966], Einaudi, 1969. Pag. 18-19).

 

Immagini dell’articolo

Tutti i disegni inseriti nell’articolo, fanno parte del libro: Emmanuele Lo Giudice, Architettura Gassosa, per un nuovo realismo critico, 2018.

 

 

Architettura criminogena e disagio sociale – alcuni esempi

5 Marzo 2020

Da qualche tempo assistiamo a tentativi sempre più marcati di infondere nell’opinione pubblica una nuova convinzione, uno slogan, ovvero l’identificazione dell’esistenza di una cosiddetta “architettura criminogena“. Il voler pensare che determinati problemi sociali, di emarginazione, microcriminalità, presenti nelle realtà più periferiche e povere delle città italiane siano dovuti in modo esclusivo nell’aver adottato progetti architettonici invivibili e spersonalizzanti che hanno oppresso in maniera irreversibile gli abitanti che sono dovuti andare a vivere li.

 

Tale critica potrebbe anche avere (parzialmente) delle motivazioni nel caso di alcuni emblematici quartieri realizzati a cavallo degli anni ’70 e ‘80 in Italia (vi è da dire che comunque tali progetti rappresentano un numero di interventi limitato, estendibile ad una ventina al massimo di progetti su tutto il territorio nazionale, per un numero di alloggi assai minoritario rispetto al costruito dello Stato in tema di edilizia popolare[1]), non è lo stesso per altri quartieri dove il “tema di vicinato” era il centro della progettazione urbana.

Uno di questi quartieri dove tali teorie progettuali è stato applicato è Quartaccio, nella periferia Ovest della Capitale. Esso venne progettato negli anni ’80 come contrapposizione alle “megastrutture” realizzate fino ad allora a Roma (Corviale, Laurentino, etc.) da un gruppo di giovani architetti che vollero riproporre il cosiddetto “Borgo di vicinato”, sul modello dei paesi italiani adagiati sui crinali delle colline (come era orograficamente la zona dove si doveva edificare quel comparto di edilizia economica e popolare). In esso non ci troviamo “palazzoni” o mega condomini: sono tutte case a 3-4 piani, disposte in modo vasto, con ampi spazi tra loro e con giardini. Se guardassimo solo dal punto di vista architettonico sono tipologicamente abitazioni anche migliori di quelle della maggioranza dei romani, che vivono spesso in palazzi di 6-8 piani attaccati e senza spazi pubblici e di parcheggio. Invece la situazione che c’è li è agghiacciante, come viene testimoniato ultimamente da un video presente sulla piattaforma “YouTube”, dove viene intervistata dal canale web “Noisey Italia” la cantante Elodie, originaria del quartiere; nel video immagini ed interviste a le persone che vivono li rappresentano una realtà nella quale la popolazione si sente abbandonata da tutti ed esclusa.

Appare pertanto importante affermare che in tali situazioni l’architettura non c’entra nulla perché i veri problemi sono creati da altre situazioni, politiche e gestionali e che determinano un c.d. “abbandono sociale”.

Per capire questo è utile fare un piccolo confronto con due realtà totalmente antitetiche dal punto di vista sociologico ma molto simili da quello architettonico. Ovvero due complessi edilizi, realizzati all’inizio degli anni ’60 con approcci architettonici ed urbanistici simili, ma portatori di effetti totalmente diversi, però.

Il primo è il complesso realizzato a Villeneuve Loubet, sulla baia degli angeli, esso venne realizzato dall’imprenditore Jean Marchand che chiamò nel 1960 l’architetto André Minangoy a bonificare una zona paludosa e insalubre realizzando 4 edifici a vela di grandi dimensioni. Oggi questo complesso, sempre ben tenuto e “a la page” con affitti e costi a mq di svariate migliaia di euro è stato dichiarato dallo Stato Francese “Patrimonio del XX Secolo” e visitato da turisti ogni anno.

Il secondo è il famigerato quartiere di Scampia a Napoli, progettato dall’architetto Francesco “Franz” di Salvo nel 1962, che prese spunto anche dal progetto francese. Additato come edificio simbolo di questa sedicente “architettura criminogena” oggi è stato, a seguito di diversi interventi coadiuvati da altrettante campagne mediatiche contrarie, quasi interamente demolito (è rimasta integra solo una delle 4 megastrutture a vela progettate dall’architetto Di Salvo). Ma occorre dire che sono altre scelte che esulano dall’architettura che hanno determinato quelle situazioni di forte degrado, esse ricadono in determinate gestioni del patrimonio immobiliare dello Stato e sulla definizione di “quartieri popolari”, ovvero quello di aver realizzato soltanto dei contenitori di appartamenti a basso costo, senza quelle necessarie connessioni sociali e di “cucitura” alla città che sono necessarie ed imprescindibili se si vuole concretamente realizzare un apparato vivibile.

 

 

Analoga sorte è capitata ai quartieri realizzati nella Capitale, ma i dati i dati che emergono è che a guidare le classifiche dei quartieri più pericolosi di Roma sono realtà come San Basilio[2], un modello abitativo realizzato prima dall’UNRRA (guarda caso una delle prime opere di Mario Fiorentino, autore poi del Corviale) e poi dall’INA Casa negli anni successivi alla Seconda Guerra Mondiale, con presenza di case basse e numerose aree verdi. Forse l’esperienza di Corviale, additato anch’esso da molti come esempio di “architettura criminogena”, ma al centro negli ultimi anni di una serie di iniziative culturali e mediatiche che hanno puntato riflettori sopra questa architettura, facendone una parte del vissuto della città di Roma, come testimoniano film come “Scusate se esisto” o videoclip musicali girati come sfondo l’edificio in questione.

Note

[1] V. Metamorfosi quaderni di architettura n°1 – 2016
[2] Franco Gabrielli – “audizione nella Commissione parlamentare di inchiesta sulle condizioni di sicurezza e sullo stato di degrado delle città e delle loro periferie.”

Credits

La foto di Scampia è di Raffaella Matocci.

La foto di Corviale è di Carlo Ragaglini

L’immagine delle Vele di Villeneuve Loubet sono tratte da Radio Colonna:

Le grandi città si mangiano tutto?

22 Febbraio 2020

“Nella storia, però, non è mai esistita una città ricca senza una campagna altrettanto florida”.

In un articolo apparso su Il Post a firma Davide De Luca si prova a fare il punto sul divario, sempre più evidente nelle società contemporanee, che si sta creando tra l’economia, sempre più in crescita, di poche grandi città fortemente attrattive, rispetto al resto del territorio.

Si tratta di un fenomeno esteso e osservabile in tutte le società avanzante.

Milano (con Roma distanziata) in Italia né è un esempio, ma anche negli USA New York e Los Angeles, in spagna Barcellona e Madrid, in UK Londra, sono solo alcuni esempi che possono essere portati per esemplificare il gap di sviluppo che si sta creando tra il centro e la periferia.

In Italia siamo abituati a considerare questo genere di problema quando ci riferiamo al divario Nord e Sud, la “Questione meridionale” è stata al centro del dibattito politico per tutto il secondo dopoguerra; oggi emerge con grande evidenza anche la distanza economica e sociale tra i centri urbani e le periferie; una distanza ancora più marcata quando ci si riferisce alle cosiddette “aree interne”.

Il problema di fondo è che le grandi città come Milano sono attrattive perché riescono a generare delle forti economie di scala; giustamente si riconosce loro la capacità di essere degli esempi positivi (delle best practices come direbbero i milanesi stessi) nello sviluppo dei sistemi economici territoriali; il rovescio della medaglia è che questi centri di attrazione sembrano essere carenti nella capacità di restituire al territorio (o alla nazione) di riferimento parte di quello sviluppo.

Scrive De Luca.

“Concentrando tante persone in un luogo, le città producono le idee e le tecnologie che migliorano la produttività e permettono la crescita economica. Avere città sempre più grandi e di successo, con maggiore capacità di attrazione, è considerato un obiettivo a cui tendere. Presto o tardi, le innovazioni prodotte nelle città raggiungeranno anche i centri più lontani e tutti ne beneficeranno. Nel frattempo chi non è soddisfatto della sua condizione ha una scelta molto semplice per migliorare le cose: spostarsi in città, dove gli stipendi sono più alti e la qualità della vita migliore.”

Se da una parte è un bene avere una o due città simbolo che rappresentino la punta di diamante di un sistema nazionale, che sappiano funzionare da catalizzatore di innovazione e sviluppo (economico ma anche culturale), questa prerogativa perde di senso se si interrompe la cinghia di trasmissione che redistribuisce lo sviluppo anche verso le aree più periferiche.

Come già accennato, in Italia il fenomeno è ben chiaro da anni perché studiato e analizzato nella Questione Meridionale, e sappiamo bene per esperienza quanto sia difficile correggere questo divario; accanto allo storico divario Nord Sud, emerge però in maniera preponderante anche un analogo divario tra aree urbanizzate e aree rurali.

“Lo spillover, l’effetto redistributivo dei benefici prodotti dalla crescita generata dalle grandi città […] sembra aver esaurito il suo effetto. Non solo negli ultimi decenni le diseguaglianze economiche sono tornate ad aumentare in tutto il mondo sviluppato, ma hanno assunto sempre più una dimensione territoriale. Secondo un recente rapporto del Parlamento europeo, mentre le economie degli stati membri complessivamente si stanno avvicinando, con i paesi dell’Est che crescono più rapidamente di quelli occidentali, la distanza tra le regioni dinamiche e le aree rimaste indietro si sta allargando. E nel frattempo, la gente non si sposta. O meglio, non si sposta abbastanza.”

La crisi economica ha finito per accentuare il problema. Le aree rurali sono da anni soggette ad abbandono e spopolamento; se la popolazione si riduce diventa antieconomico garantire i servizi pubblici essenziali (scuole, ospedali, infrastrutture); riducendo i servizi disponibili nelle aree periferiche, queste riducono ulteriormente la loro attrattività generando una spirale negativa a favore dei grandi centri urbani. Questo fenomeno viene osservato a livello globale ed è ancora più difficile da contrastare in situazioni di stagnazione economica.

Per citare un esempio che è sotto gli occhi di tutti si veda lo sviluppo della rete ferroviaria negli ultimi 10 anni che si è fortemente concentrata sulle direttrici di collegamento tra le grandi città, privilegiando l’asse Milano Roma, lasciando indietro le località periferiche.

Si veda a questo proposito il dossier Pendolaria 2018 redatto da Legambiente.

“Grazie a questo continuo aumento nell’offerta e nei servizi si assiste ad un nuovo fenomeno: il boom del pendolarismo tra città collegate dall’alta velocità distanti fra loro e collocate in diverse Regioni. Ad esempio sulla tratta Torino-Milano si contano 1.600 abbonati ed il loro modo di viaggiare che non può sottostare a orari fissi ha messo in crisi l’organizzazione del Frecciarossa, che deve garantire il posto a sedere a tutti i viaggiatori. Si contano poi 2 mila abbonati sulla Roma-Napoli, 650 sulla Bologna-Firenze, 300 sulla Firenze-Roma ed altri 300 sulla Milano-Bologna, a cui vanno aggiunti tra i 3 e i 4 mila abbonati totali di Italo.”

Illuminante uno studio condotto dall’Università Federico II di Napoli che ha messo in relazione l’andamento del PIL nel decennio 2008/2018 evidenziando come le città collegate dall’alta velocità hanno avuto un miglioramento del PIL del 10% contro il 3% delle città che hanno una distanza superiore alle 2 ore da una stazione AV.

Occorre precisare che la stessa Trenitalia ha annunciato recentemente un piano di investimenti che mira ad estendere il sistema ferroviario dell’asse Milano Roma, verso le regioni finora escluse. Questa azione è certamente un esempio positivo di come fare funzionare il sistema, nella misura in cui gli utili generati dallo sviluppo delle attività core (in questo caso l’Alta Velocità) permette in un secondo momento di liberare risorse da investire su programmi di secondo livello (la rete periferica dei pendolari e delle città inizialmente escluse). Strategicamente non è pensabile invertire la sequenza temporale degli investimenti (è in genere più logico ed economico sviluppare prima le iniziative in grado di generare sviluppo più rapidamente), tuttavia è utile riflettere sui tempi in cui è opportuno che questa “integrazione” debba essere messa in atto; allargando il ragionamento a sistemi più complessi, il rischio concreto è quello di spezzare del tutto il legame tra gli estremi; il ritardo con cui le aree periferiche vengono messe in grado di agganciare l’innovazione e lo sviluppo generato dalle centralità, potrebbe essere tale da non consentire più l’annullamento del gap.

Questo tema riguarda direttamente gli architetti e gli urbanisti e non solo perché le grandi stazioni AV sono state al centro di accesi dibattiti sull’architettura.

Quanti di quelli che hanno criticato la stazione AV Napoli Afragola, per il suo essere una “cattedrale nel deserto” si sono soffermati a riflettere sulla natura di quel deserto e sulla necessità non tanto di evitare la cattedrale, quanto di eliminare il deserto?

Quanti nel criticare l’opera come singolo oggetto architettonico hanno considerato invece la potenzialità dell’opera, ovvero la sua capacità di rendere più accessibile un servizio (in questo caso l’alta velocità) da parte di aree normalmente escluse.

Arcipelago Italia”, il progetto del Padiglione Italia della 28a Biennale di Venezia (curato da Mario Cucinella), ha avuto come argomento centrale i territori interni del paese, sviluppando cinque proposte di trasformazione urbana dedicate ad altrettante aree rurali. L’esposizione era strutturata come un viaggio lungo le dorsali alpine e appenniniche alla ricerca delle radici culturali nazionali che sono ben radicate proprio nel territorio rurale montano e nei suoi borghi storici.

Recuperare il rapporto con le are interne, ricercare formule per rivitalizzare i borghi storici che costellano il territorio rurale, è per l’Italia un processo che potrebbe costituire la base di un rilancio generale sia in termini di identità culturale che in termini di modello economico dove riagganciare la cinghia di trasmissione tra centro e periferia.

 

“Arcipelago Italia è un manifesto che vuole indicare possibili strade da percorrere, per dare valore e importanza all’architettura. Questo volume farà conoscere meglio il nostro Paese, quello più invisibile e ferito ma anche quello più ricco di potenzialità e di bellezza. La più estesa riserva di ossigeno dell’Italia, i luoghi dove sono nate le piccole e le grandi città, attraversate da secoli di storie, percorsi, popoli e architetture. Scopriremo le persone e il modo in cui gestiscono gli spazi, la vivacità culturale e lo sforzo di molte comunità per restare nei propri paesi. Infine una domanda: quale futuro per questi territori?”

Alessandro Ambrosino in una serie di articoli dedicati al tema e pubblicati su Pandora Rivista ha approfondito le strategie adottate in Italia, grazie alla SNAI, la Strategia Nazionale per le Aree Interne, lanciata dall’allora ministro per la Coesione Sociale Fabrizio Barca, coordinata dall’Agenzia per la coesione territoriale.

“A fianco di una molteplicità di poli cittadini, il paesaggio italiano mostra i segni di un secolare sfruttamento di acqua, risorse minerarie, boschive ed agricole. Dal Cadore alla Lunigiana, passando per i monti Sibillini fino al Gran Paradiso, in Italia esistono decine di aree “interne”, cioè lontane dai servizi erogati dai centri urbani (salute, istruzione, mobilità), che hanno avuto un peso pari alla città nello sviluppo del Paese. Si tratta di aree diversissime per vicende storiche e culturali ma accomunate dall’aver costituito per secoli l’alternativa alla vita urbana. Non solo di “cultura civica” è fatta l’Italia, dunque, ma anche di una “cultura rurale”, di montagna, centri minori e comunità locali. Un patrimonio di tradizioni, società solidali e modelli economici assolutamente non secondario per il Paese.”

Per quanto riguarda la SNAI.

“la Strategia si prefigge da un lato di implementare l’offerta dei servizi pubblici essenziali per assicurare alle aree interne livelli adeguati di cittadinanza, e dall’altro di sviluppare, con progetti locali che facciano leva sui punti di forza dei diversi territori, le “condizioni di mercato” favorevoli per il loro rilancio economico. La Strategia, inoltre, viene implementata ed indirizzata da un Comitato tecnico, il cui compito è stato dapprima di mappare il territorio nazionale identificando le aree interne, e poi di creare aree sperimentali in cui realizzare i progetti, stimolando una discussione a livello regionale al fine di orientare l’utilizzo dei Fondi Europei in queste aree selezionate.”

Uno dei punti di forza della SNAI è stato quello di promuovere il dialogo con gli enti locali, evitando di far cadere a pioggia interventi generalisti decisi da strutture centrali che non hanno alcuna connessione con il territorio. Il risultato del dialogo è quello di individuare specifici progetti di sviluppo con il contributo e la collaborazione delle strutture che operano nel territorio e che quindi ne conoscono i reali punti di forza e le potenzialità.

Secondo Ambrosino in Italia è necessario riallacciare il rapporto con le aree rurali interne innanzitutto operando una inversione di prospettiva.

“Pienamente inserita nelle dinamiche globali che attraversano il mondo al giorno d’oggi, l’Italia trae certamente alcuni vantaggi dalla cosiddetta globalizzazione. Tuttavia, a causa di peculiari questioni storico-geografiche e politico-economiche, ne soffre anche in maniera accentuata le principali contraddizioni. Una su tutte: il costante aumento delle disuguaglianze territoriali. Il nostro pianeta è pieno di “luoghi lasciati indietro” – the places left behind, come vengono definiti ormai da molti studiosi a livello internazionale – le cui popolazioni stanno manifestando segnali di forte malessere sociale (intolleranza, rifiuto del sapere scientifico, desiderio di comunità chiuse ecc.) perché si auto-percepiscono come gli sconfitti del sistema globale rispetto agli abitanti dei (pochi) poli di ricchezza e benessere”

Sempre Ambrosino in una intervista a Filippo Tantillo (ricercatore territorialista che lavora da più di 15 anni con Istituti di ricerca e università italiane ed europee, coordinatore scientifico del team di supporto al Comitato Nazionale per le Aree Interne), traccia un primo consuntivo dei risultati dell’attività della SNAI.

(È) “necessario ricucire lo strappo che si è creato fra due componenti della nostra nazione che non hanno senso l’una senza l’altra. La rugosità dell’Italia è ciò che rende parzialmente diverso il nostro Paese dagli altri Stati europei e ciò si rivela non solo dal punto di vista geomorfologico, ma anche nella biodiversità agricola, dove capita che nello stesso terreno si possano coltivare fragole e papaya come in Sicilia, climatica e, volendo, anche “umana”, con tutti i dialetti e le lingue che vi si parlano. Questa diversità è la nostra ricchezza, ma fuori dalla retorica la verità è che, per le finanze pubbliche, tutto ciò che non è città è percepito come un costo. Invertire lo sguardo significa ricomporre un disegno nazionale che integri ciò che è stato lasciato in disparte in maniera né emergenziale né contemplativa, ma, al contrario, concepirlo come un unicum da cui trarre anche un certo orgoglio. Tale ricucitura è certamente complessa, ma è forse l’unica che ci può preparare alle sfide del futuro.”

In conclusione sembrerebbe un tema di elevatissimo interesse per la categoria degli architetti, che hanno le competenze e le capacità necessarie per fornire risposte alle criticità evidenziate, sia in termini di analisi del fenomeno, sia in termini di elaborazione di proposte che sappiano mettere in connessione le esigenze di tutela del territorio con la necessità di aprire anche queste aree allo sviluppo economico e culturale.

Eppure, fatta eccezione per il meritorio tentativo di Arcipelago Italia, il tema non sembra essere al centro del dibattito tra i professionisti dell’Architettura, se non occasionalmente e sull’onda emotiva di qualche polemica mediatica legata a singole opere.

Se ci si interroga su quale possa essere un ruolo per la professione, questa potrebbe essere una risposta.

Dove sono quindi le idee? Dov’è l’Architettura?

 

Credits

Le foto riportate sono parte del progetto fotografico del 2011, “Irpinia d’Oriente” di Mario Ferrara a cui mando un ringraziamento particolare per avermi consentito di utilizzare le sue splendide foto (e un grazie a Raffaele Cutillo per avermelo segnalato).

La foto “Arcipelago Italia” è tratta da Professione Architetto.

Le mappe riportate sono state tratte da Legambiente e Agriregioni Europa.

 

Per fare buona architettura ci vuole una committenza forte?

13 Febbraio 2020

Su A+U è stata rilanciata una vecchia conversazione tra I.M. Pei e Fumihiko Maki a proposito di una delle icone dell’architettura moderna e contemporanea, la celebre Pyramid del Louvre che nel 2019 ha compiuto 30 anni di vita.

A distanza di tempo l’intervento è considerato uno dei più riusciti sia dal punto di vista degli addetti ai lavori  e sia dal punto di vista del grande pubblico.

Dalla conversazione emergono però (ed è interessante rileggere ora i particolari di quella vicenda) le enormi difficoltà che incontrò Pei durante la presentazione del progetto agli enti istituzionali e alle accademie.

È illuminante notare l’importanza che ha avuto la committenza nel sostenere il progetto; l’allora presidente Mitterand voleva lasciare il suo segno alla Francia (in questo c’è da dire che la storia politica francese è sempre stata un modello per le opere di architettura) e questo ha consentito al progettista di lavorare con le spalle sempre coperte avendo la tranquillità di un interlocutore forte e deciso.

Una lezione importante che dovremmo ricordare per capire come nascono i grandi progetti di Architettura, non basta infatti un bravo progettista, ma occorrono anche Committenti illuminati che abbiano una visione forte e chiara dei loro obbiettivi, altrettanta forza nel perseguirli, e soprattutto coraggio nell’assumersene la paternità. Tutto il contrario di quanto avviene oggi dove i progettisti sono utilizzati spesso e volentieri come parafulmini, comodi capri espiatori su cui riversare ogni critica scomoda, teste d’ariete da sacrificare non appena il vento del consenso o il complesso delle difficoltà realizzative dovesse farsi troppo impervio.

 

Viene facile fare il confronto su come è stata gestita la scelta del progetto di ricostruzione del Ponte di Morandi; una vergognosa serie di non scelte, dove a farla da padrone è stato un progettista, non incaricato, che con l’atto di regalare il progetto ha tuttavia influenzato pesantemente tutte le scelte successive, deresponsabilizzando la politica alla quale non è parso vero di poter delegare l’onere di una scelta che invece avrebbe dovuto essere prerogativa di chi amministra il territorio e le città.

Pensiamo anche all’altra riprovevole vicenda del concorso per la sistemazione del Palazzo dei Diamanti a Ferrara, dove è bastato il clamore mediatico di Sgarbi, forte solo della sua fama televisiva, schierato contro il progetto ormai già aggiudicato tramite un regolare concorso, per convincere i Ministero a smentire se stesso e ad annullare l’aggiudicazione.

Il ponte Morandi  e l’Ampliamento di Ferrara sono solo alcuni tra i tanti casi che si verificano, sistematicamente in Italia e nel mondo a ricordarci come l’Architettura e le sue manifestazioni, ancora oggi sia una delle più importanti espressioni della società che le realizza (o non realizza).

“Pei: You’re right. I’m an optimist. You have to, to enter into a project like the Louvre. In the beginning, I tell you I was so certain that I would fail because I presented my scheme to a group of people called the Commission superieure des monuments historiques, which was the highest body of intellectual leadership in France. They were cruel. They were the cruelest bunch of people, and they used the French language in such a way like a sword. Fortunately, I didn’t understand too much of what they said.

Maki: Had you understood it fully you would be exasperated.

Pei: I was tongue-lashed by them at a meeting. They never looked at my model, they didn’t. They saw the model the day before. Unfair. But they claimed that they had not seen it. The whole idea was wrong, wrong. If I was not an optimist I would have given up. I have to give credit to another man, Emile Biasini, appointed by Mitterand to pursue the project. Biasini should be remembered. He defended me as tenaciously as Mitterand would have, but Mitterand couldn’t go into the open to defend me you know because was the president of France, but Biasini’s voice was his voice. After that problem at the monuments historiques, everybody on my team was all depressed. Oh it was so sad. We worked so hard, then somebody rejected our results for no good reason. We all looked like a defeated bunch. Biasini said, “We haven’t started the battle yet.” He invited us all to seaside resort called Arcachon in the south of France. Near the coast, in the midst of winter, bitter, bitter cold wind was blowing in from the Atlantic. There we were together with all of the actors on the scene. Most important were the seven curators.”

 

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Credits:

  • testo di Giulio Pascali
  • la foto del cantiere della Pyramid è tratta da www.parigimaipiusenza.com
  • la foto di R.Piano che presenta il suo regalo il presidente della Regione Toti è tratta da www.lavoripubblici.it